Archivi del mese: agosto 2018

Memorie del tempo ritrovato

Tenendo fede all’assunto, assai bene teorizzato da Maurice Blanchot, secondo il quale al momento stesso di evadere la propria opera l’autore ne è, di fatto, congedato, diremo che il film – immagine poetica accaduta come accadesse, nel riflesso concentrico degli sguardi che l’abitano – si dà a vedere nell’occhio dell’Altro (spettatore che già vi si riflette, soggetto/oggetto di visione), come forma di possibili da far apparire, nella consapevolezza del punto di vista che legge, interpreta, assume a modificazione del personale esperire (il tempo, il mondo, il cinema).
L’esercizio (del) critico, ponendosi a un livello di coinvolgimento fenomenologico rispetto a una materia, per molti versi, così fuggevole (proprio nella sua essenza di ombra che si mette a nudo, si mostra nella sua concretezza illusoria), cerca di individuare quelle aperture del senso che rendano possibile perpetuare l’interrogazione, la domanda inesausta di senso dalle immagini sempre e nuovamente restituita. A meno di non volersi attenere ad approcci che riducano il vulnus ermeneutico alla diretta declinazione dei codici interni alla diegesi o riconducibili alla sola traduzione sensibile dei simboli e dei segni in cui s’articola il visibile, verso decodificazioni concettuali di una materia mai del tutto trasparente. Ricerca di una trasparenza che, in alcuni casi, accrescerebbe la nostra conoscenza del dato, nell’attesa, altresì inerte, di una piena luminosità; laddove, invero, sarebbe opportuno tener desta l’idea di una fessura da immaginare al di qua e al di là del sapere, dell’apprendimento, più o meno diretto, di peculiarità (peraltro, vischiose, nello specifico) attinenti all’oggetto in esame.
Ecco, appunto, immaginare: porsi nella dimensione di un vedere nella distanza, essere assorbiti dall’invisibile che il sensibile reca in sé, rinunciando – come condizione e metodo – a un preteso assorbimento di quel “reale” che propriamente si dà a vedere. Perché è l’immagine stessa che, nel suo darsi, si ritrae, fa naufragio, per far brillare la luce sorda dell’inabituale, la meraviglia di un’immagine trattenuta, il turbamento di una “realtà” ancora tutta da esperire. Cinema, dunque, come mistero, atto di fede, lo ha detto, una volta per tutte, Godard; arte che si intona a modalità esperienziali sempre, e comunque, da rifigurare, su un mondo/tempo/spazio mai davvero esperito, ma come già lo fosse, nella memoria presente di un passato da agire, al fine di interpretare le pluralità del reale e magari tentare di modificarlo.

Tratto dalle riflessioni di Walter Mazzotta pubblicate nel n 689 di Filmcritica.

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PER CHI SUONA LA CAMPANA

“… Il suono proveniva da sinistra, dal lato in cui si trova il cuore. […] e poi pensava che bisognasse cercare la campana a destra, che è il posto della dignità e della grandezza.” (La campana di Hans Christian Andersen). Il suono della campana che i due ragazzi, il principe e il povero, sono ostinati a cercare, nel finale della favola, attraverso un percorso differente e altrettanto impervio, è/diviene metaforicamente la ricerca del senso, da non intendersi, ancora una volta, come qualcosa in sé di definito e definitivo, ma ricerca del senso come rischio: “Devo assolutamente trovare la campana, anche a costo di camminare fino alla fine del mondo!”.

Dunque, la campana di Andersen suona per chi è sempre pronto a spingersi poeticamente oltre ogni (ir)reale virtualità del testo come creazione di infiniti mondi possibili; suona per chi è sempre pronto a interrogarsi filosoficamente su ogni virtuale (ir)realtà del testo come mondo dell’impossibile-possibile. È solo allora che “l’interesse per il seguito – «e dopo?» chiede il bambino – continua nell’interesse per le ragioni, i motivi, le cause – «perche?» chiede l’adulto”, come scrive Paul Ricoeur in Dal testo all’azione: saggi di ermeneutica.

Tra razionale e irrazionale, mi ritornano alla memoria due sequenze: una da The Village di Manoj Night Shyamalan, nella quale l’arrivo delle creature dal bosco è annunciato agli abitanti del villaggio dal suono di una piccola campana; e l’altra da Spider-Man 3 di Sam Raimi, nella quale l’eroe riesce a liberarsi del suo doppio oscuro (Venom) grazie al suono della grande campana di una cattedrale gotica.

Ma anche Ernest Hemingway e Sam Wood, Gary Cooper e Ingrid Bergman e con loro l’impossibile-possibile di ogni storia d’amore… e John Donne: “E così non mandare mai a chiedere per chi suona la campana: Essa suona per te”.

michele moccia, editoriale del numero 689 di Filmcritica

Postilla: Come una ciste

“In Cina, nell’isola portoghese di Macao viveva alla fine del secolo scorso un mercante americano immensamente ricco, che si chiamava Mister Clay. Aveva una casa magnifica e sfarzose carrozze nelle quali troneggiava solenne silenzioso e solo. A settanta anni si ammalò. La gotta gli impediva di dormire…” così inizia la novella di Karen Blixen e, come in una ciste nel vetro, Una storia immortale che si allarga lungo la superficie schermica di un immaginario, tra il sogno e la veglia, di un Orson Welles attore e regista e di una Jeanne Moreau, come strappata da un’altra dimensione, nel gioco dei vetrini di una lanterna magica, con la musica di Eric Satie, dolente epitaffio, di un’avanguardia gentile.
Chiuso in un colore ocra, brunito, lentamente il film, nell’arco di 57 minuti, svolge i temi del Comando e della Malinconia di un Potere che muore, del Signore che nell’attimo della veglia precedente la morte, rivive la leggenda di un marinaio estremamente povero cui un ricco regala denaro e una notte d’amore.
Come in una metafora entrano nel film la malinconia che segna i ricordi di Kane legato ad una irripetibile infanzia, la solitudine di Michael O’Hara, l’indefinibile personalità di Mr Arkadin. Welles nelle vesti di Mr Clay, in questo sogno nel sogno, rivive i suoi film, contempla e muove come in un teatro i suoi personaggi, immette la tragedia come rappresentazione e la leggenda come profezia, passando dalla memoria al fatto, dalla notte memorabile all’itinerario filmico, in cui raccoglie tutta la sua poetica. Gli oggetti – la poltrona in cui sprofonda, la scala, la carrozza – sono gli spazi inseriti nel piccolo cosmo, scoperti via, via da un carrello che accompagna i personaggi che avanzano lungo i portici della vecchia Macao. La favola del marinaio dagli occhi azzurri e della sua notte d’amore con Jeanne Moreau, resta mito nel sogno di Clay e tutto è visto con la stanchezza del vecchio che riguarda gli orli della realtà da una altezza immemorabile, in cui ritrovare come frammenti le pagine sparse dei suoi capolavori.
“Virginia, Virginia. Quand’ero laggiù lontano da tutto, sognavo di avere una ragazza, una ragazza accanto a me. Le portavo nidi di uccelli e del cibo, e frutta maturate nell’isola. Virginia, Virginia”.

Edoardo Bruno, testo pubblicato sul n. 689 di Filmcritica

Jeanne Moreau

FILMCRITICA 689

E’ uscito il nuovo numero di Filmcritica con Rancière, Rossellini, Renoir, Chaplin, Nancy/Denis, Welles, Yoji Yamada, Soderbergh…

che fare?

Filmcritica
aderisce all’appello promosso da Enrico Berti, Bernardo Bertolucci, Massimo Cacciari, Michele Ciliberto, Biagio de Giovanni, Donatella Di Cesare, Vittorio Gregotti, Paolo Macrì, Giacomo Manzoni, Giacomo Marramao, Mimmo Paladino, Maurizio Pollini, Gennaro Sasso, Salvatore Sciarrino, Nadia Urbinati

La situazione dell’Italia si sta avvitando in una spirale distruttiva. L’alleanza di governo diffonde linguaggi e valori lontani dalla cultura, europea e occidentale, dell’Italia. Le politiche progettate sono lontane da qualsivoglia realismo e gravemente demagogiche. Nella mancanza di una seria opposizione, i linguaggi e le pratiche dei partiti di governo stanno configurando una sorta di pensiero unico, intriso di rancore e risentimento. Il popolo è contrapposto alla casta, con una apologia della Rete e della democrazia diretta che si risolve, come è sempre accaduto, nel potere incontrollato dei pochi, dei capi.
L’ossessione per il problema dei migranti, ingigantito oltre ogni limite, gestito con inaccettabile disumanità, acuisce in modi drammatici una crisi dell’Unione europea che potrebbe essere senza ritorno. L’Europa è sull’orlo di una drammatica disgregazione, alla quale l’Italia sta dando un pesante contributo, contrario ai suoi stessi interessi. Visegrad nel cuore del Mediterraneo: ogni uomo è un’isola, ed è ormai una drammatica prospettiva la fine della libera circolazione delle persone e la crisi del mercato comune.
È diventata perciò urgentissima e indispensabile un’iniziativa che contribuisca a una discussione pubblica su questi nodi strategici.
In Italia esiste ancora un ampio spettro di opinione pubblica, di interessi sociali, di aree culturali disponibile a discutere questi problemi e a prendere iniziative ormai necessarie. Perché ciò accada è indispensabile individuare, tempestivamente, nuovi strumenti in grado di ridare la parola ai cittadini. Quei cittadini che la crisi dei partiti e la virulenza del nuovo discorso pubblico ha confinato nella zona grigia del disincanto e della sfiducia, ammutolendoli.
Per avviare questo lavoro -né semplice né breve- è indispensabile chiudere con il passato ed aprire nuove strade all’altezza della situazione, con una una netta ed evidente discontinuità: rovesciando l’ideologia della società liquida, ponendo al centro la necessità di una nuova strategia per l’Europa, denunciando il pericolo mortale per tutti i paesi di una deriva sovranista, che, in parte, è anche il risultato delle politiche europee fin qui condotte.
C’è una prossima scadenza, estremamente importante, che spinge a mettersi subito in cammino: sono ormai alle porte le elezioni europee. C’è il rischio che si formi il più vasto schieramento di destra dalla fine della seconda guerra mondiale. La responsabilità di chi ha un’altra idea di Europa è assai grande. Non c’è un momento da perdere.
Tutti coloro che intendono contribuire all’apertura di una discussione pubblica su questi temi, attraverso iniziative e confronti in tutte le sedi possibili, sono invitati ad aderire.

Per aderire, scrivi a perunanuovastagione@gmail.com

Oppure sostieni la nostra petizione https://www.change.org/p/una-nuova-stagione-politica-l-appello-del-mondo-della-cultura

si è aperto ieri e durerà fino all’11 agosto il Locarno Festival 71

diretto, per l’ultimo anno, dal nostro amico, ed ex collaboratore della rivista, Carlo Chatrian. Nel comitato di selezione Lorenzo Esposito, per molti anni una delle principali ‘anime’ di Filmcritica. Il programma, consultabile sul sito del festival, è come sempre foltissimo e molto denso, condotto com’è sempre strenuamente alla ricerca di nuovi, inediti sguardi, lontanissimi da qualsivoglia griglia, specie da quella, quanto mai dannosa, del cosiddetto ‘film da festival’. All’interno del palinsesto, curata da Roberto Turigliatto, la retrospettiva integrale dei film di Leo McCarey, uno dei più importanti autori della Hollywood ‘30-50. Fanno parte della sua articolata filmografia alcuni importanti film appartenenti al genere ‘commedia classica hollywoodiana’

Così Edoardo Bruno sul genere succitato: “(..)L’ingenua leggerezza della commedia sofisticata, magari legata anche a un eccesso di espressività, si maschera nelle pieghe del narrativo, nascondendo proprio quella proliferazione di significati per cui, ancora una volta, sfugge a ogni accertamento che vale fin dove ci si arresta e non oltre.(..) Piegato e ripiegato su se stesso il film rappresenta, forse,nella cultura contemporanea, la forma che più si avvicina al barocco con le infinite pieghe del suo drappeggio, dentro cui si celano i segreti di una continua avventura interpretativa. E la commedia sofisticata, in particolare, si ammanta di queste pieghe e lo fa subdolamente, quasi suggerendo l’opposto, fingendo cioè di dire apertamente la verità ma, in realtà, connotando tutte le coordinate, le toponomastiche e i personaggi attraverso procedimenti che mimano la realtà.(..) Nella commedia sofisticata il leggibile è ancora più nascosto tra le pieghe del vedibile, è qualcosa che, proprio come le pieghe del drappeggio barocco, costituisce l’elemento di una composizione che trascende il significato letterale. Non è neanche l’indice di una realtà ma il quid espressivo di un gioco illusorio di una conquista, nonostante l’apparenza, dell’informale. Il set inventa, costruisce, crea un mondo di fantasia, le scene, gli attori, i luoghi sono segni di un linguaggio che spesso si ripete in un sistema di presupposti, di ‘ frasi’ impiegabili come in un lessico, a volte, da utilizzare in un contesto diverso.(..) È il gergo della commedia, quel parlare particolare legato ai modi di dire, alle convenzioni, alla frase ermeneutica che gioca sull’implicito, sull’analogo, sul ritorno di personaggi (di modi, di comportamenti,di gesti, di situazioni) che già conosciamo e che formano quella rete di complicità che incoraggia una certa libertà solidale. Ed è anche quella certa rassicurazione che mette la commedia in sintonia con il suo pubblico, almeno in prima battuta.

Dire per non dire, mascherarsi per sembrare diversi, per indicare una direzione che rimane nascosta tra le pieghe di una più complessa struttura semantica sono tratti specifici nonostante l’apparente semplicità lessicale. Sono i segni di un continuo spostamento dei significanti che caratterizzano uno stile e una scelta. Si è già detto altrove che ‘il film si maschera, che è l’arte dell’inganno perché ‘parla’ attraverso le reticenze, i silenzi, i punti sospesi’. La commedia sofisticata esaspera questi procedimenti,la trama, anche la più limpida, nasconde inconsciamente una serie di proposizioni, che giocano sull’ambiguità, sui trasferimenti di senso, che costituiscono la ‘realtà’ dell’assunto. Inconsciamente, perché l’intenzione, anche quando viene esibita, mostrata, indicata, è sempre assorbita dalla costruzione del linguaggio filmico, da questa semiosi del travestimento, da qualcosa che non può essere ridotto a significato.

(..) Proprio per questo mascherarsi, negarsi, fingere di parlare d’altro, la commedia riflette le contraddizioni, i contrasti, spesso anche i drammi e le tragedie morali del tempo, come l’alienazione, l’impossibilità di comunicare e comprendersi. Attraverso la favola, attraverso l’identificazione di un non-luogo, attraverso la modellizzazione di un linguaggio astratto e di un uso esplicito di codici linguistici e metalinguistici, la commedia si appropria di una realtà molto più complessa della stessa realtà, proponendosi come testo e al tempo stesso come contesto.(..) La commedia americana, con i suoi intrecci che sembrano evasivi, con lo stesso happy end, esprime un suo ‘reale’ che riflette la realtà molto più incisivamente della stessa realtà, perchè non ambisce, come programma, di raccontarla, di descriverla, o, comunque, di rappresentarla. La realtà fittizia del cinema hollywoodiano nel suo artifizio è molto più efficace perchè è priva di reticenze e mostra senza preconcetti, senza inseguire un modello di verità precostituito. ‘ Mostra e non dimostra’ come ha poi insegnato, in tutt’altro contesto, lo,sguardo onnicomprensivo del cinema di Rossellini, che guarda e aiuta (lo spettatore) a guardare senza paraocchi per cogliere quell’ambiguità del reale che è l’espressione più complessa del mondo che ci circonda”

Estratti da E.Bruno,”Pranzo alle otto”, il Saggiatore, 1994

a.p.