Così Edoardo Bruno nel suo libro “Film. Antologia del pensiero critico”,pubblicato da Bulzoni Editore nel 1997:
“Si può dire che le riflessioni di Andrè Bazin sul cinema in rapporto allo statuto della realtà rifondino radicalmente l’estetica cinematografica così come si era venuta configurando nel periodo anteguerra. Bazin introduce nell’approccio conoscitivo al cinema un atteggiamento ontologico che lo connette strettamente alla realtà, ma non come mera riproduzione o rappresentazione, bensì come continuità di un processo che, attraverso la possibilità di creare una realtà in divenire nel tempo (a partire dal dato reale che si ‘riprende’), arriva alle estreme conseguenze di una abolizione totale della distanza tradizionale tra la realtà e la sua rappresentazione. In ’Qu’est-ce que le cinéma?’ Bazin scrive che il cinema ‘si aggiunge alla creazione naturale invece di sostituirne un’altra. Si fonda così una ‘ontologia’ del cinema che diventa un’altra realtà’ non sostitutiva o riprodotta, ma un’altra faccia del reale che quasi ne coglie l’anima compiendo così una sorta di ‘realismo totale’ che coincide con un ideale ‘cinema totale’. Da qui la nozione baziniana di ‘messa in scena’, di profondità di campo, di piano-sequenza,
elementi di una ‘totalità’ impura (nel senso del rifiuto di un cinema come forma staccata e specificamente fondata rispetto al reale) che costituiscono le figure dello ‘stile’ che ogni autore adotta nel rapporto di continuità tra la macchina da presa e il flusso del reale. Insieme ricerca di uno statuto materialista del cinema e di una teoria ‘idealista’dell’immagine che si dispiega nella capacità fenomenologica non di rappresentare e riprodurre ma di liberare il senso nascosto, l’essenza del vero, a partire dal modo in cui ci si presenta davanti allo sguardo, dalla sua epifania, la passione critica di Bazin lo porta non tanto a una teoria sistematica quanto a una pratica della critica tutta calata nel suo tempo e proiettata verso il futuro. La sua attività di promotore del movimento dei cineclub francesi nel dopoguerra, la sua funzione di ‘padre’ della ‘nouvelle vague’, attraverso la fondazione dei ‘Cahiers du Cinéma’ e la promozione della nuova generazione di critici e cineasti (da Truffaut a Godard, da Rivette a Rohmer) lo rendono critico “totale”
e nume tutelare di ogni possibile ‘nuovo cinema’”
(nei link che seguono si ‘prendono la parola’ su Bazin Gilles Deleuze e François Truffaut)
In questo numero: Una conversazione della redazione su Twin Peaks 3 e poi Agnès Varda, Steven Spielberg, il cinema italiano del Sessantotto, Bill Morrison, Raoul Walsh e altro ancora…
Nel primo link dei magnifici materiali girati a New York, nel 1911, dalla Swedish company SF Studios e restaurati dallo storico Guy Jones. Il sonoro non è originale.
Nel link che segue ancora New York filmata nel 1930. Il sonoro è questa volta originale
Lo ricordiamo con lo scritto di Edoardo Bruno sul film “Una questione privata”, diretto dal fratello Paolo e a cui Vittorio aveva partecipato in sede di sceneggiatura.
“Un film insolito ‘Una questione privata’ di Paolo Taviani (Vittorio firma solo la sceneggiatura) ispirato al romanzo breve di Fenoglio, con la lotta partigiana vista più dalle pagine di Giovanni De Luna (La Resistenza perfetta), in un Piemonte nebbioso, attorno alla Grande Villa aristocratica, senza le asperità e le scene cruenti della guerra civile, che le davano un sapore di lotta di classe.
Taviani ha voluto fare un film anomalo, esasperando i tratti del personaggio gentile e di innamorato inquieto, che gira attorno alla guerra con un metafisico respiro, perduto, tra la nebbia e il sogno. La prima parte del film, con l’arrivo dei due amici partigiani davanti alla Casa, dà lo scatto al ricordo e alle brevi, ma intense, digressioni amorose. C’è nel film tutta una imaginerie attorno ad un vecchio e grande albero, con una scalata per i rami, che può ascriversi tra le cose migliori di un Taviani alla ricerca dell’inedito, in una guerra partigiana fredda, opaca, con le camicie nere ‘alla Pavolini’ e i colpi partigiani poco convincenti. E un richiamo imprevisto a Pierrot le fou, alla fine, con una cantata pop sulla inutilità della guerra”
Cibernetica, realtà virtuale, Guerra dei mondi, Spielberg ritorna alla fantascienza, ritorna a quell’impasto di immagini che si giustifica nel rimpianto di una attualità sfuggita, di una realtà del prossimo futuro, (anno 2045), in una New York appena riconoscibile, nella furia di un abbattimento della vita e dei consumi, vivibile in una visione immaginaria, che è l’unica realtà di cui gli uomini dispongono.
In questo deserto umanizzato di macchine e di asteroidi ormai residuati, Spielberg rievoca i miti di una preistoria, i miti di una America hollywoodiana – il gorilla di King Kong ancora minaccioso dall’alto del grattacielo e il Bacio che uccide per amore.
In questa sorta di romanticismo rievocato, rivivono le violenze, le sparatorie elettroniche, le pistole, rivive la polizia, rivive il lieto fine, in una logica intellettuale da ançien régime dell’ultimo tycoon, della Hollywood di oggi. È come un omaggio al cinema dei vecchi trucchi, degli oggetti volanti che l’obiettivo della mdp rende di grandezze inimmaginabili, ricostruiti sui micro modellini che attraversano lo spazio celeste, con la patina del tempo, lo stesso tempo ‘intellettuale’ di una narrazione simbolica.
Edoardo Bruno
ready player one. Un incanto. Lo Spielberg che amo di più, quello di Always e Tintin, di Et e di GGG, quello fuori dalla Storia e dalle redazioni dei giornali, il creatore di mondi, il rabdomante dell’immaginario a venire, racconta il nascere di un bacio come missione (im)possibile, una fantasmagorica guerra dei mondi, tra il reale e il virtuale, tra il vedibile e l’invisibile. E l’altro reale, il cinema, che nei primi venti minuti sembrava sommerso e annientato, riemerge. Basta fare una marcia indietro al momento opportuno, osare ciò che il ‘Padre’ non ha mai forse osato fare. Trapassare dal singolare al plurale. Uccidere chi si ama per ridargli la vita. Nessuna nostalgia. Citazionismo come detour. Basta riconfigurare le icone anni 80, ma anche anni 30, cambiandole di segno, facendole danzare, ed ecco che la febbre ma anche la ‘fantasia’ del sabato sera, si fa epica, guerriglia, wagneriana e disneyana battaglia, tra Bay, Ejzenstejn e Kubrick, tra l’imax e il 70mm e il 3D, tra formati e copie conformi e difformi. Ritorno ai futuri. Le tre chiavi come le tre luci. Dopo i titoli di coda non ci sono segni di un possibile volume due. E’ tutto finito ma tutto deve ancora iniziare. Oltre lo schermo.
